Exhibición Colectiva | "Caminar"
ANINAT GALERÍA PRESENTA “CAMINAR”, UNA EXPOSICIÓN COLECTIVA
SOBRE LAS MÚLTIPLES FORMAS DE CONSTRUIR RECORRIDO
Aninat Galería convocó a trece artistas a escoger una obra que condensara su propio caminar. No como un punto de llegada, sino como una forma reveladora dentro de una trayectoria en permanente transformación.
No vemos las cosas como son, las vemos como somos. La experiencia del caminar es, por ello, singular.
En este encuentro de singularidades, nos interesa observar cómo cada práctica artística inventa su propia manera de avanzar: entre búsquedas, intuiciones y certezas, rupturas y continuidades, dando forma a cartografías íntimas que revelan que toda obra es también el testimonio de un recorrido vital. Con el paso del tiempo, va delimitando una trayectoria única e irrepetible.
Artistas participantes:
Patricia Belli
Raúl Zurita
Huanchaco
Lotty Rosenfeld
Mónica Bengoa
Natalia Babarovic
Catalina Swinburn
Nicolás Franco
Fernanda López
Ricardo Lagos (N3t0)
Gabriela Carmona
Estefania Tarud
Manuela Viera Gallo
SOBRE LOS ARTISTAS:
Patricia Belli (Managua, 1964) es una de las artistas contemporáneas más importantes de Centroamérica. Su práctica abarca escultura, instalación, dibujo, video y performance, explorando temas como el cuerpo, la identidad, la memoria, el género y las tensiones entre lo íntimo y lo social. Utiliza materiales como telas, metales, hilos y objetos cotidianos para crear obras que evocan fragilidad, resistencia y transformación.
Además de su producción artística, ha desempeñado un papel fundamental en el desarrollo del arte contemporáneo en Nicaragua a través de proyectos de formación y espacios independientes para artistas emergentes. Su obra ha sido exhibida en importantes bienales, museos e instituciones internacionales, consolidando una trayectoria reconocida por su profundidad conceptual y su constante experimentación con los materiales y el espacio.
Raúl Zurita (Santiago, 1950) es uno de los poetas más influyentes de la literatura latinoamericana contemporánea. Su obra explora la memoria, el dolor, el amor, el paisaje y los derechos humanos, estableciendo una profunda relación entre la poesía, el territorio y la historia de Chile. Ha desarrollado proyectos de gran escala que llevan la poesía al espacio público, escribiendo versos en el cielo y trazando textos monumentales en el desierto de Atacama.
Galardonado con el Premio Nacional de Literatura de Chile y el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, su trabajo ha alcanzado reconocimiento internacional por su capacidad de transformar la experiencia individual y colectiva en una obra de profunda fuerza poética y visual. Además de su producción literaria, ha colaborado con artistas visuales y proyectos interdisciplinarios que expanden los límites de la poesía hacia nuevas formas de expresión.
La obra de Fernando Gutiérrez (Huanchaco) plantea una reinterpretación paródica de las estrategias de representación históricas propias del siglo XIX en Latinoamérica. Estos modos de retratar los ideales de las nuevas naciones recién independizadas son retomados por el artista para generar un paralelo con el contexto actual del Perú. Su “repetición paródica del pasado” no es de ninguna manera nostálgica, sino siempre crítica. Se trata de un retorno a los modos del pasado para señalar las relaciones con las representaciones presentes y analizar las consecuencias en el ámbito social y político de los cambios y de los elementos que han permanecido invariables. En un contexto complejo como el peruano, el artista reconoce como una estrategia de “supervivencia” el asumir y enfrentar la configuración de la propia identidad a través de la parodia. Una conciencia histórica paródica es la única manera de sobrellevar los “descalabros” de la Historia del Perú. El artista decide replicar esta estrategia a través de su trabajo.
Lotty Rosenfeld (1943 - 2020 Santiago de Chile) es parte de la generación del '70. En 1979 hizo su primera acción con el grupo C.A.D.A, el grupo hizo una fuerte inflexión en la historia del arte nacional.
El desarrollo de la realidad social que enmarca nuestras rutinas se convirtió en la base física de mis intervenciones creativas. Para este propósito, desde 1979 hasta la fecha, uso una señal de tráfico como modelo analógico principal. Intervengo las líneas blancas que dividen los carriles de una carretera, modificándolas materialmente generando otro signo, el signo " + " que formo entrecruzando dos líneas: la primera impuesta por un código de regulación social, mientras que la segunda fue propuesta por Art como una señal de transgresión. Introduciendo "Crisis" dentro de un orden arbitrario, el trabajo estimula a los individuos a repensar su sumisión acrítica a los códigos convencionales, rompiendo así la naturaleza supuestamente "natural" de los signos.
Lotty Rosenfeld ha realizado acciones artísticas en diferentes ciudades como Santiago, Washington y Nueva York, Delhi, Kassel, La Habana, entre otras.
Mónica Bengoa (1969, Santiago de Chile) MFA Universidad de Chile.
La producción artística de Mónica Bengoa ha girado en torno al estudio de la naturaleza de la imagen fotográfica y su traducción a medios manuales, siguiendo procedimientos basados en un sistema de restricciones técnicas y materiales vinculadas a los desplazamientos del dibujo, la pintura, el grabado y el trabajo textil. Además, incluye preocupaciones interdisciplinares, como las relacionadas con la incorporación de procedimientos y materiales vinculados al reconocimiento intercultural, así como las intersecciones entre las artes visuales y la literatura, y la incorporación de las ciencias, en particular la entomología y la botánica.
Su trayectoria en las artes visuales se ha desarrollado tanto en Chile como en el extranjero, participando en numerosas exposiciones individuales y colectivas, bienales y proyectos organizados por curadores locales e internacionales, así como en emprendimientos autogestionados. Mónica Bengoa ha realizado exposiciones colectivas e individuales en importantes museos de todo el mundo, incluyendo su participación en la Bienal de Venecia en 2009, exposiciones individuales en el Museo Nacional de Bellas Artes, Frost Museum en Miami, Drawing Center en NY, MAVI en Santiago de Chile. Su obra forma parte de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile y de colecciones privadas de todo el mundo.
Es en este sentido que he establecido un sistema de restricciones para el uso del color, en el que las limitadas paletas de cardos teñidos, lápices de colores o hilos de bordar, me permiten utilizar este procedimiento como un sistema ortopédico para la construcción de imágenes. Según esto, se establece una organización cromática basada en las distorsiones de la luz generadas por la fotografía digital transferida a la pantalla del ordenador, distorsiones que son la referencia cromática de la imagen.
Natalia Babarovic (1970) es una destacada pintora chilena cuya obra explora la relación entre la observación, la memoria y la tradición de la pintura. A través de naturalezas muertas, interiores, paisajes y escenas cotidianas, desarrolla un lenguaje pictórico de gran sutileza, donde la luz, el color y la composición generan atmósferas de contemplación e intimidad. Su trabajo establece un diálogo con la historia del arte, reinterpretando géneros clásicos desde una mirada contemporánea que privilegia la experiencia sensible y el paso del tiempo. Con una trayectoria consolidada, ha expuesto en importantes instituciones y galerías de Chile y el extranjero, siendo reconocida como una de las figuras más relevantes de la pintura chilena contemporánea.
Nicolás Franco (1973 Santiago de Chile) Moviéndose con fluidez entre diferentes estilos y estéticas, la obra de Nicolas Franco ha ahondado en la propia naturaleza de la pintura, analizando sus componentes, su lenguaje y su historia, a menudo trascendiendo los límites tradicionales del medio. Sus cuadros juegan a menudo con las ideas de representación, abstracción, proceso, patrón e incluyen distorsiones visuales e ilusiones ópticas, invitando al espectador a cuestionar su propia experiencia sensorial. A partir de su experiencia como artista latinoamericano, la obra de Franco mezcla una amplia gama de influencias, incorporando referencias de diferentes culturas, estéticas e historias. Esta fusión ofrece una amplia gama de capas de significado y ambigüedad, dando lugar a múltiples interpretaciones y perspectivas.
Franco se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 2005. Participó en residencias artísticas internacionales en De Ateliers, Ámsterdam y Gasworks, Londres. En 2019, la obra de Franco se pudo ver en 1973: A year In Art, una exposición colectiva comisariada por Clara Kim y Michael Wellen que se presentó en la Tate Modern de Londres, mostrando un grupo de artistas chilenos históricos presentes en la Colección Permanente de la Tate. Una gran exposición individual de la obra del artista, Materia Gris, se presentó en el Museo Nacional de Bellas Artes en 2023. En 2015 su obra pudo verse en la aclamada exposición Resistance Performed en el Museo Migros de Zúrich, comisariada por Heike Munder.
Fernanda López (1991 Santiago de Chile) Artista visual, Licenciada en Artes de la Universidad Católica y Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile. Su investigación ha girado en torno a reflexiones que surgen entre el sujeto y el contexto cultural, social, político y natural que habita, enfocándose últimamente en la comprensión de lo vivo.
Ha expuesto y proyectado su trabajo en Chile, Estados Unidos, Ecuador, Perú, Bolivia, Colombia, Argentina y Suecia. Ha participado en Bienales como Bienal de Artes Mediales de Santiago, SIART Bolivia y Bienal Sur en Perú. Ha obtenido premios, como Beca Chile Crea para estudios de magíster (2021), primer lugar en V Concurso Artespacio Joven Itaú (2020), Mención Honrosa en Premios Municipales de Santiago (2018-2015), entre otros. Ha quedado finalista en el Concurso Internacional Juan Downey (2023). Ha participado en programas de residencias como AIREMOT, Suecia (2019) y Laboratorio Desierto Intervenido II, Chile (2018).
Su obra es parte de colecciones públicas como Colección Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio; y privadas como CIFO Cisneros Fontanals Art Foundation (Estados Unidos), Colección IL Posto (Chile), Fundación Engel (Chile), Mónica Farah (Perú)
Ricardo Lagos (N3T0) Licenciado en Artes (2014) y Magister en Cine documental (2018), por la universidad de Chile, Titulado en Psicología (2025) por la universidad Diego Portales. Su trabajo ha sido exhibido en más de medio centenar de ocasiones en exposiciones individuales, colectivas, bienales, residencias, proyectos experimentales y ferias de arte; en Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador, Perú y Polonia. Su obra es parte de colecciones publicas y privadas en Chile, Colombia, Estados Unidos y México. En paralelo a su trabajo artístico ha realizado un cuerpo de trabajo escritural, que le ha permitido articular curatorias nacionales e internacionales en más de media decena de ocasiones, publicar textos en revistas como Artishock y Punto de Fuga, así como llevar adelante textos de otrxs artistas.
Ha realizado trabajos audiovisuales desde el año 2015, desempeñándose en guiones para animaciones, productos comerciales, dirección de fotografía, montaje y edición, para otros artistas y su propio trabajo. En el ámbito de las ciencias sociales ha obtenido premios como estudiante, así como prestar asistencia en investigación en la facultad de psicología de la universidad Diego Portales, en ámbitos de Democracia y Educación.
Ha realizado trabajo docente en la Universidad de Chile en la facultad de Artes y la facultad de Comunicación e imagen, así como la Facultad de Arquitectura, arte y Diseño de la Universidad Diego Portales, desde el año 2014 a la fecha..
Gabriela Carmona (1980, Santiago de Chile) Gabriela Carmona Slier (Santiago de Chile, 1980) es Artista Visual y profesora de Artes, titulada por la Universidad Finis Terrae, y Magíster en Artes Visuales por la Universidad de Chile.
Su práctica artística se desarrolla a partir del uso de diversos medios, entre ellos la instalación, la performance, el textil, el video y la producción de textos. Su obra se articula desde un imaginario subjetivo que indaga en la experiencia biográfica y en el cuerpo como matriz simbólica y política. A través del trabajo performativo, convoca desde la intimidad situaciones inscritas en la memoria corporal y la infancia, estableciendo una relación emocional y crítica con las construcciones de género.
Ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas en museos y espacios culturales de relevancia, tanto en Chile como en el extranjero. Entre sus trabajos recientes destacan la performance Territorios oscuros (2025), realizada en el marco de la exposición Ritos corpóreos, en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), sede Quinta Normal, y la performance El negro oscuro del cielo (2024), presentada en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), Santiago de Chile.
Estefanía Tarud (1982, Santiago de Chile) Estefanía Tarud borda escenas en penumbra, espacios donde lo cotidiano se desarma y se transforma en otra cosa. Su interés se centra en ese instante en que lo familiar deja de ser seguro y se vuelve extraño: una silla mal iluminada, una figura de espaldas, un gesto que no llega a descifrarse del todo. Trabaja a partir de fotografías familiares y escenas comunes, imágenes reconocibles y cercanas que, al ser trasladadas al bordado, adquieren un carácter enigmático.
Le atrae aquello que se insinúa, lo que está a punto de desaparecer. Explora la tensión entre lo visible y lo oculto, así como la paradoja de mostrarlo todo y, al mismo tiempo, preservar el misterio mediante la oscuridad y la fragmentación.
El proceso ocupa un lugar fundamental en su práctica: los largos tiempos de bordado, el silencio, la soledad y la repetición de la puntada configuran una experiencia cercana a la meditación. La lentitud del gesto se contrapone a la inmediatez de la sobreexposición visual que caracteriza al presente.
La luz es un elemento central en su trabajo, bordada como materia y como una forma de velar y revelar. No ilumina por completo, sino que genera sombras y silencios que invitan a detenerse y a mirar nuevamente lo que parecía evidente, descubriendo en lo íntimo y lo cotidiano una dimensión poética y misteriosa.
Catalina Swinburn (Santiago de Chile, 1979) El trabajo de Catalina, se ubica entre la instalación, performance, fotografía y escultura, entre otras disciplinas, a través de las cuales articula un guión coherente y significativo de creaciones anteriores y presentes que tienen como hilo conductor “la memoria”, en un contexto que va más allá de lo histórico, social o político y con un fuerte énfasis en la espiritualidad, nostalgia, tradición, estética y globalización.
La obra de Catalina, se dispone a operar en la movediza frontera que se establece entre el culto y la práctica artística, mediante el recurso del rito (performance) y a la disposición objetual. En el rito, las acciones, las referencias materiales y gestuales son vaciadas de su carga prescriptiva para ser trasladadas al terreno de la crítica del propio sistema de arte. La reflexión sobre la imagen, es una manera de abordar elusivamente la transformación de los productos de consumo material en productos de consumo espiritual.
Manuela Viera - Gallo (1977, Santiago de Chile) Durante las últimas dos décadas me he dedicado a narrativas visuales que se configuran a través de una voz distintivamente femenina, a menudo tratando de comprender la correlación entre instintos, realidad y moralidad. Exploro temas que van desde la inestabilidad social, el sueño americano, la violencia doméstica hasta la vigilancia y la retórica de la pertenencia.